HABLEMOS DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA! I PARTE

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Nota: Es necesario que entendamos el origen de la música actual para entonces tener una opinión centrada sobre la Adoración y la música que debe ser utilizada.

No estoy en contra de “toda” la música contemporánea, pero tampoco estoy a favor de “toda” la música contemporánea.

HISTORIA:

BUSCANDO LA LIBERTAD

(La música de los esclavos)

LA ESCLAVITUD

Durante el siglo XVII, mientras los europeos colonizaban América, escaseaba la mano de obra. Los terratenientes blancos necesitaban un gran número de trabajadores para producir tabaco, arroz, azúcar y otros cultivos, y superaron sus problemas comprando esclavos. Estos esclavos eran hombres, mujeres y niños de la costa oeste africana, raptados de sus hogares y llevados a América en barcos donde eran encadenados y hacinados en las bodegas; allí padecían por la falta de agua y enfermaban.

De los 40 millones de esclavos que fueron raptados de esta manera, solo 15 millones llegaron a América. Allí eran comprados y vendidos y obligados a trabajar y a vivir en condiciones de miseria. Los castigos eran horribles y los colonos hacían todo lo posible para impedirles que tocaran y cantaran su propia música africana.

Sin embargo, no lo lograron y finalmente surgieron nuevos estilos musicales que resultaron de la mezcla que los esclavos hacían de sus propias tradiciones africanas con la música europea de los colonos. Ejemplos de estos nuevos estilos se encuentran en sus canciones de trabajo y sus espirituales.

LA MUSICA AFRICANA Y EUROPEA

Entre la música llevada a América por los europeos y la que llevaron los esclavos africanos había muchas diferencias.

Escalas

Gran parte de la música clásica europea estaba basada en escalas de 7 notas (diatónicas). Las escalas africanas solían usar 5 notas (pentatónicas) y evitar los intervalos pequeños (semitonos), que eran muy importantes en las europeas.

Polirritmia

Una de las diferencias más importantes entre la música europea y la africana es el papel que desempeña el ritmo. Este es más importante en la música africana, en la que a menudo se tocan simultáneamente muchas ideas rítmicas diferentes con un efecto emocionante. A este tipo de música la llamamos polirrítmica. En las reuniones locales que se celebran en África, un percusionista establece un ritmo base; después entran otros percusionistas con diferentes ritmos que se cruzan unos con otros para crear un complejo efecto rítmico. A menudo también se unen otros instrumentos y voces en distintos momentos.

Otra diferencia entre la música europea y la africana es la forma en que cada una se interpreta. En la música africana todos se unen en la interpretación tocando, cantando, dando palmas, bailando o simplemente llevando el ritmo. La música clásica europea suele estar escrita por un compositor para que unos músicos la interpreten delante de un público que solamente responde cuando la música ha terminado. La música africana se recuerda, no se escribe, y a menudo cambia durante la interpretación.

Durante la esclavitud, y a lo largo de un extenso período de tiempo, estos dos tipos de música, la africana y europea, se mezclaron de numerosas y diferentes formas. Uno de los primeros resultados de esta mezcla fueron las canciones de trabajo (work-songs).

LAS CANCIONES DE TRABAJO

Las canciones de trabajo se inventaron para ayudar a sobrellevar el aburrimiento de faenas duras y monótonas. Tenían una pulsación regular que se adaptaba al ritmo de las tareas. En las canteras, o en las cuadrillas que construían carreteras, gran parte del trabajo se realizaba manejando picos, martillos y palas que seguían un ritmo constante. Los cantos de trabajo se adaptaban a la velocidad de los martillos y eran liderados por un miembro de la cuadrilla, al que después se unían los demás. Esta es una forma de cantar canciones típicamente africana y está basada en un patrón que se podría describir como de “llamada y respuesta”.

LOS ESPIRITUALES Y LA MUSICA GOSPEL

Las ideas de las músicas africana y europea también se mezclaron en la música religiosa. Los dueños de las plantaciones trataron de convertir a sus esclavos al cristianismo. Para muchos negros esta religión ofrecía esperanza, ya que se veían a sí mismos como los hijos de Israel que un día abandonarían la esclavitud y serían conducidos a la tierra prometida. La letra de una de las canciones religiosas de los esclavos que se llaman espiritual dice así:

Cuando Israel era tierra de Egipto

¡Deja a mi pueblo ir!

Oprimidos tan duramente que no podían aguantar

¡Deja a mi pueblo ir!

Baja, Moisés, baja a las profundidades de la tierra de Egipto

Dile al viejo Faraón,

¡Deja a mi pueblo ir!

En los espirituales se mezclaban las síncopas y las polirritmias de África con las melodías de los himnos que los esclavos tomaron de los colonos blancos. Los espirituales estaban basados en el patrón africano de llamada y respuesta, con un líder (en este caso el sacerdote) cantando primero, y contestado por el resto (la congregación) en coro. En el ejemplo anterior, el líder cantaría las frases largas, y el coro respondería con las frases cortas, cantadas a varias voces.

El canto de los espirituales a menudo se convertía en un evento a gran escala con todo el mundo bailando y dando palmas al compás de la música, como en África. (Un término posterior para designar a los espirituales negros y otros cantos religiosos es música gospel.)

LA ARMONIA

La armonía (o acordes) se produce cuando se tocan o se cantan dos o más notas a la vez. La “respuesta” de un espiritual está compuesta de una secuencia de acordes cantados. El estilo de estos acordes está basado en las armonías de los himnos europeos que los esclavos habían oído cantar a los colonos blancos, pero la manera en que los esclavos interpretaban estas armonías era más viva y rítmica -en definitiva, más africana-.

Los cantos de trabajo y los espirituales -la música de los esclavos- resultaron de la fusión de las ideas musicales africanas y europeas. Más tarde, esta mezcla dio lugar al jazz y a la música popular del siglo XX.

Al decir de Eduardo Galeano “la música más libre del mundo nació entre los esclavos”.

EVOLUCIÓN DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA

LOS COMIENZOS DEL JAZZ

Después de que fuese abolida la esclavitud en América del Norte (1865), hubo pocos cambios para la mayoría de los que trabajaban en las plantaciones. Algunos negros liberados comenzaron a ser reconocidos no sólo como trabajadores, sino también como músicos, que podían tocar el violín o el banjo en los bailes locales. Como eran libres, estos músicos podían tocar su música para cualquiera que pudiera pagarles; así los músicos negros empezaron a tocar en teatros y salas de música, y en bares y garitos.

LA MARCHA

Uno de los estilos de música europeos que habían sido populares durante el siglo XIX fue el de las bandas de desfile. Los ritmos de una marcha están claramente divididos en una métrica simple de cuatro pulsos por compás. Los pulsos 1 y 3 tienen un acento mñas fuerte que el 2 y el 4.

Como resultado de la victoria de los estados del norte en la Guerra Civil Americana, los esclavos fueron liberados. Con el final de la guerra, muchas de las bandas de desfile que habían llevado soldados a la batalla se deshicieron y sus instrumentos fueron vendidos a precio de ganga. Muchos negros se quedaron con esos instrumentos (clarinetes, trompetas, trombones, tambores, bombos y platillos), formaron sus propias bandas y tocaron sus propias versiones de las solemnes marchas europeas. Al introducir ritmos sincopados, y al cambiar las notas de la melodía cuando les convenía, las hicieron más divertidas de tocar. En definitiva, las “jazzearon” y las “raguearon” de una manera nueva y excitante.

El efecto fue sensacional; sobre la base del ritmo regular de la marcha ocurrían toda clase de cosas 2locas”. Las notas se calaban (es decir, se tocaban ligeramente bajas de tono de forma deliberada), comenzaban y acababan en sitios inusuales y algunas veces se sustituían por otras completamente diferentes. Los músicos iban inventando sus partes sobre la marcha.

EL RAGTIME

El primer estilo de música popular que incluyó algunas de esta excitantes técnicas nuevas fue el ragtime, que se tocaba en el piano. El ragtime se desarrolló durante la década de 1890 en los salones, garitos de juego, cafés y burdeles de las ciudades de los estados del sur de EEUU. Fue la primera música negra en ser aceptada por la gente blanca, y los blancos terminaron por tocarla y escribirla ellos mismos. Se parece a la música clásica en el sentido de que está compuesta y escrita, no se desarrolla durante la interpretación ni tampoco se recuerda de oírla tocar a otros.

Síncopa

La influencia de la síncopa en el ragtime se escucha claramente en la parte que toca la mano derecha del pianista. Algunas notas suenan justo antes del pulso. Otras veces hay silencios en los acentos del compás. Este efecto, que se llama síncopa, sigue siendo uno de los básicos en la música popular incluso hoy en día.

La estructura del ragtime

El ragtime tiene una forma regular. Una pieza de ragtime consta de cuatro o más melodías o temas, cada uno de los cuales dura 16 compases, que podemos llamar A, B, C y D, y que a menudo se tocan en el siguiente orden:

AABBACCDD

Scott Joplin ha sido el compositor de ragtime más conocido. Nacido en 1868 cerca de Marshall (Texas), tocó el piano durante años en burdeles y salones.

El ragtime se había convertido en un negocio que movía mucho dinero y alguna música de escasa calidad, que no era realmente ragtime, llegó a ser conocida por ese nombre. La popularidad del ragtime se manifestaba sobre todo en las ventas de los rollos de papel perforado que controlaban los nuevos pianos mecánicos, llamados pianolas. Estos instrumentos eran los equivalentes de las máquinas de discos de hoy, y tocaban melodías populares al insertar unas monedas.

EL BLUES

Otro estilo de música negra de principios del siglo XX fue el blues. Se trataba de una música popular que surgió de la misma mezcla de ideas africanas y europeas que habían dado lugar a los cantos de trabajo y espirituales. Como éstos, el blues contaba los sentimientos, temores y esperanzas de los contantes, pero lo hacía de una forma más personal. Comenzó, al igual que gran parte de la música negra, en las zonas rurales del sur; pero al poco tiempo también podían encontrarse cantantes de blues en las ciudades.

En sus orígenes el blues era interpretado por un cantante acompañado generalmente por una guitarra, un banjo o, eventualmente, por un piano. Sus ritmos eran más variados que los del ragtime. Era una música de sonido poco elaborado, llena de emoción, y la escala sobre la que se basaban las melodías y armonías acabó por llamarse la escala del blues.

La escala del blues.

Es la escala mayor diatónica (siete notas) en la que las notas tercera y séptima se tocan -o se canta- un semitono más bajo. Esto produce un efecto de desafinación intencionada (“calado”) que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial.

Guitarra “slide”

La “desafinación” de algunas notas era a menudo resaltada por el cantante que medio hablaba y medio cantaba. También fue imitada por los guitarristas que tocaban con un cuello de botella o slide, un tubo que se coloca sobre uno de los dedos de la mano izquierda del guitarrista y que después se desliza por las cuerdas hacia arriba y hacia abajo mientras éstas se puntean con la mano derecha. La guitarra tiene que estar especialmente afinada para esto.

EL BLUES DE 12 COMPASES

Numerosas canciones de blues siguen la forma del blues de 12 compases, que también ha sido usada por los músicos populares a lo largo del siglo XX. La mayoría de las letras de los blues tienen 3 frases, siendo las dos primeras iguales.

Acordes

El blues de 12 compases utiliza tres acordes. Los nombres técnicos de estos acordes son tónica (o acorde de I grado), subdominante (o acorde de IV grado) y dominante (o acorde de V grado).

Las letras de los blues

No puedes dormir en mi cama

Mejor que te hayas marchado cuando llegue mi hombre.

Mejor que te hayas marchado cuando llegue mi hombre.

Deja de mover tu rabo, porque no sé dónde has estado.

Blues de un pobre hombre

Mientras vives en tu mansión, no sabes lo que significan los tiempos duros.

Mientras vives en tu mansión, no sabes lo que significan los tiempos duros.

La mujer del trabajador pobre se muere de hambre; tu esposa vive como una reina.

Las letras de estos blues son simples, honestas, profundamente sentidas y tienen que ver con la vida del cantante. Ciertas palabras tienen un doble sentido de naturaleza sexual. Algunas letras tratan de la pobreza, otras de la religión y del pecado, y otras de los lugares en los que el cantante ha estado o a los que quisiera ir.

Cantantes de blues

Hay muchos cantantes muy conocidos de la época rural del blues. Entre ellos Hoddie Ledbetter (Leadbelly), Blind Blake, Blind Lemon Jefferson, Skip James, Jesé Fuller y muchos más. Quizá el más admirado por los músicos modernos sea Robert Johnson , quien sólo grabó unos 30 blues, acompañándose con una guitarra “slide”, muchos de los cuales son clásicos, como Hellhound on my trail y Come on in my kitchen. Johnson murió envenenado en 1938, a la edad de 26 años.

EL JAZZ TRADICIONAL (DIXIELAND)

El último estilo de música negra que surgió de la mezcla de la música africana y europea después de 1900 fue el jazz tradicional. Generalmente se piensa que el jazz acabó de tomar forma en Nueva Orleáns. Nueva Orleáns era un gran puesto de mar y el hogar de muchos ex esclavos, quienes trajeron consigo cantos de trabajo y la emocionante música de los espirituales. La música de la gente blanca también fue popular en forma de marchas, himnos y series de danzas como la cuadrilla. El ragtime y el blues, en su forma primitiva, también podían oírse en Nueva Orleáns y abundaban los instrumentos. Nueva Orleáns fue un lugar salvaje, como la mayoría de los puertos grandes, y tenía un barrio chino llamado Storyville que estaba lleno de bares y burdeles en los que tocaban bandas que solían tener seis integrantes que tocaban la corneta, el clarinete, el trombón, el banjo o el piano, el bajo y los tambores -muchos de ellos instrumentos típicos de las bandas-

La batería

En las bandas de desfile (“marching bands”), cada tambor era llevado y tocado por un músico diferente. Sin embargo, cuando los músicos comenzaron a cobrar dinero por tocar en los bares, la situación cambió, ya que contratar a varios percusionistas resultaba demasiado caro. Así, un solo músico fue el encargado de tocar todos los tambores y otros instrumentos de percusión. Para que su trabajo resultara más fácil se desarrolló la moderna batería en la que el bombo y los platillos de choque (hi-hat) se tocan con pedales y el resto de la batería con palillos. Esto supone unos intrincados actos de coordinación por parte del percusionista.

LA IMPROVISACIÓN

Lo emocionante de la música de las bandas que actuaban en los salones de los bares era el hecho de que gran parte de lo que tocaban fuese improvisado, inventado por los músicos según iban tocando. Esto no significa que las melodías no tuviesen forma o que cada cual pudiese tocar las notas que quisiera, porque el resultado habría sido un ruido terrible. Cada pieza de música estaba basada en una canción que tenía como fundamento un ritmo de marcha. El tempo variaba mucho de una canción a la otra. Tanto los acordes que formaban el acompañamiento -a menudo un blues de 12 compases o alguna otra secuencia armónica de una melodía bien conocida de la época- como las escalas que podías usarse, eran ya familiares. Los músicos jugaban con notas de la melodía, y también añadían contramelodías; así se alejaban cada vez más del original sin que lo que tocaban dejara de ser reconocible.

COMPAREMOS Y MEDITEMOS !

LA BIBLIA:

Éxodo 32: 18 Cuando oyó Josué el clamor del pueblo que gritaba [col – קוֹל, gemir], dijo a Moisés: Alarido de pelea hay en el campamento. 19 Y él respondió: No es voz de alaridos de fuertes, ni voz de alaridos de débiles; voz de cantar [aná – עָנָה, cantar, aullar, gritar] oigo yo.

Éxodo 32
19 Y aconteció que cuando él llegó al campamento, y vio el becerro y las danzas, ardió la ira de Moisés, y arrojó las tablas de sus manos, y las quebró al pie del monte.

ELENA DE WHITE:

Patriarcas y Profetas, p 331 “Al acercarse más al campamento, vieron al pueblo que gritaba y bailaba alrededor de su ídolo. Era una escena de libertinaje pagano, una imitación de las fiestas idólatras de Egipto; pero ¡cuán distinta era del solemne y reverente culto de Dios! Moisés quedó anonadado. Si Aarón hubiera tenido valor para sostener lo recto, sin importarle las consecuencias, habría podido evitar aquella apostasía.”

P.D. No es un debate simplemente es compartir información, evitemos discusiones o comentarios que ofendan a nuestro prójimo.

QUE DIOS TE BENDIGA.

FUENTE: FB HERMANO OLIVER CORONADO

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